La gare

Ce qui suit n'est qu'un aperçu de l'histoire du musée d'Orsay, mais pour en avoir un aperçu, il faut commencer par le train.

Le train a inauguré une ère qui a bouleversé toutes les notions de distance et de vitesse. Son invention a permis de relier des villes et des villages isolés, de les intégrer dans des agglomérations urbaines, d'amener des flux massifs de la campagne vers la capitale (elle-même bouleversée par la reconstruction d'Haussmann) et d'en faire une ville très peuplée d'immigrants venus des quatre coins de la France et d'ailleurs. Dès 1851, le nombre d'habitants de la ville explose, doublant en cinquante ans pour atteindre 1,2 million et trente ans plus tard, en 1881, 2,2 millions, soit plus que les 2,1 millions d'aujourd'hui.

À l'aube du XXe siècle, la ville lumière inaugure une nouvelle ligne qui la relie à Orléans et au sud-ouest. Comme tous les chemins de fer, elle promet le progrès, une ère nouvelle symbolisée par l'Exposition Universelle de 1900. 

La nouvelle gare, située de l'autre côté de la Seine, à proximité du Louvre, par le Pont Royal, devait rivaliser avec ses voisines, et le minimalisme épuré en vogue à l'époque n'était pas de mise. Les commanditaires ont choisi le style opulent des Beaux-Arts pour un extérieur en pierre à l'ancienne. Sa décoration ornée rappelle les structures françaises classiques d'une autre époque (elle inspirera par la suite la regrettée Penn Station de New York) et vise en fait à dissimuler les avancées technologiques. Ce choix s'éloignait du style "la forme suit la fonction" qui allait bientôt devenir l'orthodoxie architecturale. Pour voir le mariage plus typique de l'acier et du verre de l'époque moderne, il fallait entrer dans le hangar à trains, où les quais et le hall des passagers s'étendaient sur 16 lignes différentes. 

Lorsque ces mêmes progrès font que les trains deviennent trop longs pour le hangar d'Orsay, la gare tombe peu à peu en désuétude, voire à l'abandon. En 1945, par exemple, elle sert de lieu de rétention pour les prisonniers de guerre revenant d'Allemagne et, plus tard, Charles de Gaulle s'en servira comme décor pour ses conférences de presse dans les années 1950. 

Le musée

A la fin des années 1970, le Centre Pompidou s'est ouvert à une vingtaine d'artistes.^th L'art du 19e siècle, avec le Louvre qui déborde. Il était question depuis longtemps que le 19^th, Le Musée des Beaux-Arts de Paris, trait d'union entre les maîtres anciens du Louvre et le présent, avait besoin d'un espace à part entière. Quelle meilleure inspiration pour l'abriter que la vieille et solitaire Gare d'Orsay ? En tant que gare, elle était le cœur symbolique de ce qui a fait de Paris ce que nous connaissons, cette gigantesque ville populeuse qui explose d'art et de créativité. C'est ainsi qu'en décembre 1986, le musée d'Orsay a ouvert ses portes au public.

Les conservateurs ont choisi d'exposer des créations datant de 1848 (lorsque les révolutions ont éclaté à Paris et dans toute l'Europe) à 1914 (début de la Grande Guerre). Elle ne contient donc que 3 000 œuvres d'art, contre 35 000 pour le Louvre (de l'Antiquité à 1840), mais rivalise aisément avec ce dernier. grande dame en termes de popularité. Vous pouvez facilement comprendre pourquoi avec les quelques choix suivants parmi les préférés de Memories. Nous nous sommes concentrés sur les peintres, alors que le musée présente du mobilier, des arts décoratifs et bien d'autres choses encore, y compris des sculptures, bénéficiant de ce plafond de verre et d'acier qui éclairait autrefois les trains en contrebas.

Vingt peintres incontournables au musée d'Orsay

Encore une fois, vous profiterez bien plus de ce musée avec l'un de nos guides. D'autant plus que le musée est très populaire. Dans la cohue des autres visiteurs, un chef-d'œuvre méconnu peut être manqué en un clin d'œil. Nous pouvons vous montrer les points forts, les œuvres incontournables. Plus encore, vous découvrirez l'histoire de ces œuvres d'art incroyables et des artistes qui les ont créées, ce qui vous permettra de les voir et de les comprendre sous un jour totalement différent. Avec nous, vous éviterez les files d'attente et passerez vos précieuses heures à vous émerveiller devant l'art plutôt qu'à attendre d'acheter des billets. Et si vous réservez une visite en matinée, vous pourrez explorer cette galerie de chefs-d'œuvre à votre guise, riche des connaissances que vous aurez acquises grâce à l'introduction de votre guide.

VINGT ARTISTES EN VEDETTE À L'ORSAY (DES PLUS CÉLÈBRES AUX SECRETS LES MIEUX GARDÉS)

Tout d'abord, pour bien comprendre ce qu'a été la rébellion de 19^th Pour comprendre ce qu'est l'art au siècle dernier, il faut connaître l'Académie. Ce mastodonte d'institution, avec son Salon biennal, fixait toutes les normes artistiques officielles à la lumière des vieux maîtres. Ou du moins, la façon dont ils voyaient les anciens maîtres, beaucoup moins expérimentaux qu'ils ne l'étaient en réalité. Vous trouverez des exemples de cet art dans tout le musée. 

Ne vous précipitez pas au 5e étage pour voir les impressionnistes. Ce n'est qu'en voyant et en comprenant ce qui s'est passé juste avant eux que vous pourrez vraiment apprécier leur audace et leur différence à l'époque. Poursuivez votre lecture pour savoir ce qu'il faut voir au musée d'Orsay et dans quel ordre !

Thomas Couture Romains de la décadence, 1847 

photo : Google Art Project (Wikipedia)

L'un des tableaux les plus célèbres du musée d'Orsay, cet énorme tableau a été présenté au Salon, l'année précédant les révolutions de 1848 (la raison même du choix de l'ouverture du musée). L'image de l'innocence compromise par la déchéance morale, définie avec précision, fait vibrer les cordes sensibles. Il s'agit certes d'une critique de l'Empire, mais offre-t-elle vraiment matière à réflexion au-delà d'une moralisation facile ? Quelque chose à se mettre sous la dent ? N'est-ce pas un peu exagéré ? Artistiquement conservateur, Couture peint peut-être dans le style même de son sujet, comme si l'art devait être figé dans un idéal de perfection qui ne devrait jamais être remis en question.

William Bouguereau Naissance de Vénus, 1879

photo : Musée d'Orsay (Wikipedia)

Nous voici, plus de trente ans et deux révolutions plus tard, sans que l'on s'en aperçoive. Rien n'a changé, et c'est bien là l'essentiel. Vénus est belle, d'une manière très finie et classique, tandis que les impressionnistes d'avant-garde sont précisément contemporains de ce tableau. Bouguereau montre tout simplement la naissance de la déesse de la beauté et de l'amour telle qu'elle a été représentée d'innombrables fois au cours des siècles précédents, avec une grande habileté technique, mais surtout dans le respect de la tradition.

Jean-François Millet Les glaneurs, 1857

photo : Google Arts et Culture (Wikipedia)

Cette image, dix ans après Couture, en est bien éloignée. Tableau incontournable du musée d'Orsay, il ne s'agit pas de bergers classiques vivant une idylle champêtre. Il s'agit plutôt de femmes d'aujourd'hui, que la tradition féodale autorisait “généreusement” à cueillir à la main le blé déjà récolté afin de fabriquer un peu de pain pour leurs familles affamées. Cela signifiait une journée de labeur à se tuer le dos, courbé pour ramasser suffisamment de minuscules tiges de céréales pour faire un simple pain pour toute une famille avant le contrôle des naissances. En outre, moins de dix ans auparavant, le Manifeste de Marx avait effrayé tous les Parisiens aisés, ceux qui fréquentaient ces expositions d'art, s'identifiant davantage aux propriétaires terriens qu'aux travailleurs pauvres. Ces femmes ne seraient-elles pas plutôt en train de faire les poubelles que de semer symboliquement les graines de la révolution, ces mêmes révolutions que les riches avaient subies et auxquelles ils avaient survécu en 1789, 1830 et 1848 ? 

Edouard Manet

Olympie, 1863

De formation classique, notamment auprès de Thomas Couture (qui l'a mis à la porte pour avoir peint des vêtements sur des modèles nus), Edouard Manet était un homme de la ville et un peintre réaliste, qui aimait la vie urbaine et tout ce qu'elle représentait du monde moderne, même ses dessous pourris, qu'il explorait tout en honorant les mêmes vieux maîtres et en les prenant à contre-pied.

photo : Google Art Project (Wikipedia)

Elle est presque une parodie de la longue tradition du nu féminin allongé, tel qu'il était modelé par ce que l'on appelait les “Grandes Horizontales”, les travailleuses du sexe de luxe de l'époque. Elle sait que tout l'échange entre vous deux n'est qu'une question d'argent et de pouvoir. Remarquez derrière elle, Laure, l'une des nombreuses immigrantes de couleur qui ont créé une classe ouvrière noire à Paris après l'abolition de 1848. Elle se penche en avant, comme si elle chuchotait un conseil à la courtisane lorsque l'expression du visage de cette dernière ne semble pas du tout impressionnée par le bouquet apporté en guise d'hommage. Ce n'est pas un bouquet qui va faire bouger un cœur ou une main.

Déjeuner sur l'Herbe, 1863

photo : wartburg.edu (Wikipedia)

Cette image reprend l'œuvre de Titien Concert Champêtre (voir notre rubrique Louvre article de blog ou tournée) et lui donne une tournure moderne et humoristique. Deux étudiants bohèmes vivent dans l'un des bois de la banlieue parisienne, connu pour sa flore et sa faune, et parmi cette faune se trouvent des dames de petite vertu, au lieu des muses du Titien. Le visage de la femme qui regarde le spectateur en face a une expression que seule la modernité a pu créer dans une grande et vaste ville : le regard vide qui regarde un parfait étranger sans le voir, comme celui qui orne tous les visages dans le métro parisien.

Edgar Dégas Fin d'arabesque, 1876-1877

Dégas est un autre réaliste aisé comme Manet, fasciné par le monde moderne.

photo : Alonso de Mendoza (Wikipédia)

Le peintre explore son intérêt pour le mouvement, en particulier le mouvement rapide, gracieux et précaire, comme cette ballerine qui termine son mouvement. pas avec brio, bien qu'il faille se demander pour qui exactement elle se produit, de manière si personnelle ? Ne s'adresse-t-elle pas à quelqu'un qui, manifestement, l'observe depuis un siège de balcon onéreux ? Un mécène ? Un amant ? Un client ? Sommes-nous vraiment si éloignés de l'œuvre de son ami Manet ? Olympie? Pas si l'on considère la vie d'une ballerine de la Belle Epoque et ce qu'il fallait pour survivre économiquement en tant que femme artiste de cette époque à Paris. 

Les impressionnistes

Parallèlement à ces deux réalistes, les impressionnistes ont afflué vers eux, avec une admiration tout à fait réciproque. Aujourd'hui, au cours du siècle et demi qui s'est écoulé depuis leur première exposition en 1874, on a assisté à une ’hallmarkisation" progressive qui a déconsidéré les Impressionnistes pour des générations, avec une focalisation molle tout droit sortie des films de Merchant Ivory qui dépeignaient la même époque. Mais les touches de lumière diffuses de ces peintres étaient en fait résolument modernes, à la recherche des effets fugaces du temps. Si c'est l'instant même que l'on cherche à représenter, on ne peut pas avoir le même type de finition que chez Couture et Bouguereau. De plus, cette génération aime peindre directement à partir du monde extérieur, tout en étant DANS le monde extérieur. L'invention du tube de peinture en étain en 1841 a permis aux artistes de sortir de leur atelier et de faire cela. Sans cette invention, il n'y aurait pas eu de Monet, qui a donné son nom à l'école, poursuivant les humeurs infinies des meules de foin ou des cathédrales, leurs différents aspects dans des changements de lumière instantanés, avec quelqu'un qui lui tendait une nouvelle toile à chaque étape, sans même avoir fini la précédente.

Claude Monet 

Gare St Lazare, 1877 

photo : 0x010C (Wikipedia)

Cette image, l'une des douze versions différentes de la gare, témoigne de l'amour des impressionnistes pour le temps présent, la modernité et son emballement. Cette machine à vapeur vous emportera loin de Paris en un clin d'œil. La vapeur brumeuse qui l'entoure adoucit le fer et l'acier de sa masse et donne également l'impression que dans un instant, le train aura disparu, quittant la gare pour filer vers son prochain arrêt. Il n'est pas étonnant qu'il ait fasciné les impressionnistes, avec sa vapeur et son mouvement rapide mesuré dans les instants qu'ils tentaient de capturer. Ils montaient volontiers à bord de ces mêmes trains pour passer des après-midi à la campagne. D'une manière impensable avant le train, les peintres pouvaient faire une excursion d'une journée sur les bords de la Marne ou à Argenteuil et dans les guinguettes, et rentrer dans leurs mansardes parisiennes à l'heure du coucher.

Camille sur son lit de mort, 1879

photo : RIbberlin (Wikipedia)

Mais tout n'est pas que machines à vapeur chez Monet. Sa bien-aimée de 32 ans gît ici sur son lit de mort, enterrée, selon la coutume des jeunes épouses, dans son voile de mariée. Mais comme s'il ne pouvait s'en empêcher, afin de surmonter la perte qui l'accable, Monet prend ses pinceaux, une fois de plus pour réfléchir au caractère éphémère, maintenant de la jeunesse et de la beauté, et de la vie elle-même.

Nénuphars, 1916-1919

photo : Dcoetzeebot (Wikipedia)

Datant de la fin de la période d'activité du musée d'Orsay, les nénuphars chers à Monet sont, dans cet exemple particulier, aussi éphémères que les autres. Ils obséderont son œil de peintre, un œil qui souffre lui-même des effets du temps avec la cataracte qui obscurcit sa vue. Comme si elles partageaient avec nous ce défaut optique, les fleurs semblent se désintégrer sous nos yeux, désintégrant avec elles la tradition du sujet en peinture. Certaines voix disent que c'est le début du 20ème siècle.^th siècle.

Auguste Renoir Bal du Moulin de la Galette, 1876

photo : Manteau de plusieurs couleurs

Bien plus proche des gens que Monet, Renoir a choisi de représenter ses amis artistes et mannequins à Montmartre un dimanche. La classe ouvrière aimait ce genre de dancing en plein air avec son vin bon marché et ses galettes (essayez-en pendant que vous êtes ici !). Il a également réalisé plus d'une version de cette image, plus un portrait de la joie simple que d'une personne en particulier. Avec son style typique joie de vivre et de “simples” touches de couleur et de lumière, Renoir transmet l'atmosphère joyeuse de cette invention récente qu'est le jour de congé.

Berthe Morisot La chasse aux papillons, avant 1895

Belle-sœur de Manet, Morisot était une fille du club des impressionnistes. En tant que femme d'une certaine classe, elle ne pouvait pas, comme son frère par alliance, aller rôder dans les boîtes de nuit de la ville et peindre leurs habitants les plus malfamés. Elle a donc peint un monde beaucoup plus restreint de femmes riches, les pétales humides de ses coups de pinceau voilant autant qu'ils dévoilent ses sujets. Pourtant, le charme de ces tableaux renferme une critique subtile de ces limitations sociales, car les femmes semblent isolées, leurs visages étant souvent floutés pour ne pas être individualisés. De plus, même les critiques positives n'étaient que des compliments à l'égard de son sexe, louant sa nervosité et son hypersensibilité féminines, laissant les tentatives d'imagination plus “sérieuses” aux artistes masculins : “peindre un univers comme une gracieuse surface mobile infiniment nuancée. Seule une femme a le droit de pratiquer rigoureusement le système impressionniste, elle seule peut limiter son effort à la traduction des impressions”.”

photo : Alonso de Mendoza

Mary Cassatt Fille dans le jardin (également appelé Femme couture), 1880-1882  

Cassat est l'autre femme impressionniste, l'une des premières Américaines à Paris. Son père refusait de payer ses fournitures artistiques. Fuyant le chauvinisme des États-Unis de l'après-guerre civile, elle s'installe à Paris où, à l'instar de Morisot, Cassatt limite ses sujets à la sphère féminine.

Dans un extérieur inhabituel pour Cassatt, elle représente ici une jeune fille à son “travail”, sa couture, concentrée dans la solitude d'un jardin. Elle pourrait être une relecture de la Vierge enfermée médiévale, tout à fait moderne dans une jeune fille simple entourée, comme protégée, de verdure et de fleurs. Ce moment d'intimité nous rappelle également le tableau de Vermeer. La dentellière (voir notre rubrique Louvre article de blog, et tournée), le portrait d'une femme qui se consacre à sa tâche, absolument absorbée par le travail qui l'attend.

photo : Acacia217

Gustave Caillebotte, Les racleurs de sol, 1875

photo : Dcoetzeebot (Wikipedia) 

Autre tocard de la haute société, comme Manet et Dégas, Caillebotte a longtemps été plus connu pour sa collection que pour sa peinture. Nous voyons ici à quel point cette réputation était erronée. La composition elle-même est intrigante, les angles et la ligne de vision s'inspirant des gravures sur bois à la mode au Japon. Mais une critique sociale discrète est également présente dans ce choix. Nous devons nous demander qui, exactement, regarde ces hommes à quatre pattes, travaillant durement à des tâches ingrates. En effet, le spectateur ne les regarde pas, pas dans les yeux, mais sur eux et la sueur de leur front. Le point de vue est certainement celui du propriétaire de cet appartement haussmannien de luxe, manifestement flambant neuf, qui a les moyens d'engager des dépenses importantes pour faire raboter et revernir son plancher qui, aussi récent qu'il soit, ne peut en avoir un besoin urgent. 

Les post-impressionnistes

Pris par les expérimentations visuelles des impressionnistes, les artistes de la génération suivante ont pris leurs jeux de couleur, de teinte et de lumière pour leur propre compte. Moins concentré sur le “ici et maintenant” de la vie des grandes villes, leur travail était plus interne, allant même, plus tard, jusqu'au symbolisme rêveur.

Vincent Van Gogh

Peut-être le peintre le plus aimé au monde, certainement le plus célèbre des post-impressionnistes, ce génie a surmonté sa maladie mentale notoire grâce à son pinceau, créant la beauté à partir du tourment, une note d'espoir glorieux dans ses couleurs vives défiant l'obscurité qui le poursuivait. 

Autoportrait, 1889

photo : Dcoetzeebot (Wikipedia) 

Cet autoportrait est l'un des nombreux que l'artiste a peints avant d'abandonner la Provence où il était persuadé de trouver, auprès de Paul Gauguin, sérénité et inspiration. Ici, écrivait-il à son frère, il espérait que ses traits apparaîtraient plus posés et plus apaisés. Mais cet espoir est démenti par des coups de pinceau agités et des yeux hantés, presque une hallucination de contrariété ; l'artiste se livre à une introspection digne de Rembrandt (voir notre Visite du Louvre). Contrairement aux couleurs boueuses de cet autre peintre hollandais, les tons pâles de jaune et de bleu éclairent même les arabesques tourmentées de cette étude sur sa propre angoisse.

Église d'Auvers-sur-Oise, 1890

Photo : DCoetzeebot

Après la Provence, Van Gogh termine sa vie à l'extérieur de Paris, dans la petite ville d'Auvers-sur-Oise. Il peint ici son église dans les tons bleus profonds des vitraux médiévaux, contrebalancés par des touches de vert vif. C'est un havre de paix devant lui, mais notez qu'il ne peint pas comment le spectateur, ou lui-même, pourrait y entrer, malgré la figure qui détient le secret. Nous n'avons pas accès à ce sanctuaire.

Paul Gauguin Le cheval blanc, 1898

photo : Dcoetzeebot (Wikipedia)  

Plus vert que blanc, Gauguin a peint ce cheval dans l'arrière-pays tahitien, parmi les lys et les hibiscus, ainsi que des fleurs qui n'ont d'autre fondement dans le monde réel que l'imagination du peintre. La croyance polynésienne associe ces créatures aux dieux et au passage dans le monde après la mort. Dans ce moment de pur enchantement, le cheval nous apparaît bien comme le symbole de quelque chose de plus, mais comme le peintre, nous ne sommes que des étrangers qui observent, confusément, de l'extérieur, un moment sacré dont nous ne pouvons que deviner le sens.

Gauguin fréquentait non seulement Van Gogh, mais aussi des peintres moins connus, les Nabis, ou prophètes. En voici trois à ne pas manquer à Orsay.

Les Nabis

Maurice Denis 

Il émane également de ce peintre une sorte de sacralité, comme s'il avait une religion personnelle et féminine, située à Paris - il n'est pas surprenant qu'il ait acheté un prieuré pour y vivre, où l'on peut voir des expositions tournantes de ses œuvres. 

Les Muses 1893

photo : Thierry Caro (Wikipedia) 

Les neuf muses, déguisées en robes de chambre et en buste d'aujourd'hui, fréquentent un lieu de la banlieue parisienne avec ses marronniers typiques. C'est l'automne, le temps des récoltes, comme en témoignent les courbes et contre-courbes des feuilles, des troncs et des branches. Mais la récolte est aussi symbolique : c'est un lieu d'épiphanies où des déesses modernes communient avec le bois sacré qui les entoure, qui n'est aussi qu'un parc, comme tous les autres de la ville et de ses environs.

Portrait d'Yvonne Lerolle en trois aspects, 1897

photo : Pimbrils (Wikipedia) 

Denis nous offre ici une sorte de déesse trinitaire, ou les trois grâces réunies en une seule femme. Ce n'est pas non plus la première fois que Denis adopte cette approche artistique pour un portrait de femme. Une et plusieurs, elle est une allégorie en soi, mais c'est à vous, spectateur, de décider de quoi précisément. 

Félix Vallotton Le Ballon, 1899

photo : Dcoetzeebot (Wikipedia) 

L'espace plat fait écho aux couleurs plates juxtaposées, mais elles n'ennuient pas l'œil comme elles pourraient l'être chez un peintre de moindre importance. Au contraire, les teintes naïvement directes et les plans intrigants donnent l'impression que cet enfant est perdu dans un vaste espace alors qu'il poursuit sa balle rouge dans un parc - peut-être les jardins du Luxembourg - se sentant probablement loin de sa petite mère et de sa nourrice, dans une aventure personnelle qui pourrait le mener on ne sait où, Vallotton capturant l'immensité de l'imagination de l'enfance et toutes ses possibilités illimitées.

Pierre Bonnard Le Chat Blanc ,1894 

photo : Thierry Caro (Wikipedia) 

L'animal de compagnie de Bonnard a servi de modèle pour cette petite œuvre comique où un félin qui cligne lentement des yeux et se recroqueville sur lui-même vire à la caricature. C'est certainement la hauteur à laquelle le sujet s'est senti dominer, sur ces petits bouts de pattes impossibles. On sent à nouveau le Japon dans le sujet et le traitement de cette quintessence du chat. Et vous pensiez que ces divinités tutélaires de l'internet exerçaient une fascination actuelle !

Passer à autre chose que les Nabis....

Georges Seurat, Cirque, 1891

photo : Coldcreation (Wikipedia) 

Le peintre de Dimanche dans le parc avec George Ce chef-d'œuvre pointilliste d'un après-midi de week-end sur la Grande Jatte a pris les leçons des impressionnistes dans une direction différente de ce qui est devenu le mouvement symboliste. Il était un héritier plus fidèle à certains égards, dans sa fascination pour les loisirs de la classe ouvrière urbaine. Il est aussi leur héritier sur le plan technique, poussant leurs jeux optiques de touches chromatiques plus loin dans ce qui a été baptisé "l'art de la lumière". pointillisme. Dans le pointillisme, l'œil de l'observateur prend les minuscules points de couleurs primaires de l'artiste et les reconstitue pour former la scène représentée. Le pointillisme Cirque de 1891 est la dernière d'une série d'œuvres sur le même sujet. Elle confère un calme inquiétant au spectacle endiablé auquel vous participez activement en tant que spectateur créant la scène par votre regard. En tant que dernière toile que Seurat devait peindre avant sa mort à 31 ans, elle est ce qui se rapproche le plus de son testament artistique, l'étape ultime du développement du mouvement qu'il a créé.

James McNeill Whistler Variations en violet et vert, 1871 

photo : Maltaper (Wikipédia) 

[au moment de la rédaction, n'est pas encore exposéeVous le connaissez peut-être par son portrait de sa mère, également ici [au moment de la rédaction, n'est pas encore exposéeIl n'est pas nécessaire d'avoir une vision globale de l'œuvre, mais il faut tout de même accorder un peu d'attention à l'exquis jeu de tons de cet Américain, qui ne fait qu'un très léger clin d'œil à la peinture figurative. Tout le plaisir de la contemplation réside dans les harmonies chromatiques et les coups de pinceau. Plus tard, à propos d'une autre œuvre presque abstraite de Whistler, un critique a demandé comment un artiste pouvait exiger 200 guinées pour avoir jeté un pot de peinture à la face du public. Lors du procès qui s'ensuivit (dans le monde moderne, aucune publicité n'est mauvaise), l'artiste se vit accorder un penny de dommages et intérêts.

Henri de Toulouse-Lautrec

Tête rouge (Le Bain), 1889

photo : Archaeodontosaurus (Wikipedia) 

Elle a probablement été posée dans l'atelier de Toulouse-Lautrec à Caulaincourt, près de Montmartre, par son modèle préféré, Carmen Gaudin, avec sa chevelure rousse caractéristique que l'artiste adorait. Il ne s'agit pas seulement d'un dos, mais du dos de quelqu'un, d'une personne distincte, par opposition à la déesse de la beauté standardisée et générale de Bouguereau. Elle est fragile, avec ses omoplates définies sur son torse mince et l'aperçu d'une cuisse mince, dans le moment vulnérable du bain. Le peintre a tellement incliné votre point de vue sur cette frêle personnalité que vous pourriez avoir l'œil au trou de la serrure, une invasion d'un moment privé. 

La clownesse Cha-U-Kao, 1895

photo : Petrusbarbygere (Wikipedia) 

Danseuse et acrobate au Moulin Rouge, son nom se combine chahut, Le spectacle se déroule dans une ambiance de fête, de danse de cancan et de “chaos”, qui ne manquerait pas d'éclater à son arrivée sur scène. Qui sommes-nous pour assister à sa transformation, par le biais d'un tutu jaune vif et d'une perruque blanche, de femme en clown ? Le miroir détient-il la clé ? En y regardant de plus près, nous nous rendons compte qu'il y a quelqu'un dans la loge avec elle pour observer la métamorphose. Est-ce vous, le spectateur ? Quelle est alors votre relation avec Cha U Kao ?

Le très apprécié Préraphaélites ne sont qu'une pâle présence dans l'art du musée d'Orsay, mais nous en avons :

Edward Burne-Jones La roue de la fortune, 1875 - 1883

Le sujet représente le changement perpétuel de statut et de chance, la roue qui tourne sans cesse et qui, à la fois, soulève des montagnes et des montagnes.
et écrase, le destin de l'humanité. Alors que cette confrérie de peintres anglais se délectait de sujets
Ils n'ont généralement pas peint d'images médiévales à partir de légendes ou de personnages du Moyen-Âge.
eux-mêmes. Contrairement à la production préraphaélite habituelle, la roue de la fortune était un sujet de prédilection des artistes préraphaélites.
des artistes médiévaux. Ici, dans l'une des dernières œuvres de Burne-Jones, l'artiste plonge dans sa source d'inspiration.
L'inspiration pour réinterpréter de manière intemporelle l'un de ses thèmes de prédilection.

photo : DimitryRozhkov (Wikipedia) 

La branche jaune fleurie, 1901 [au moment de la rédaction, n'est pas encore exposée]

Étrange génie du pastel, Redon connaissait bien les Nabis, mais il est allé plus loin dans la voie qui consiste à faire du sujet un simple prétexte pour jouer du pigment et le pousser dans ses derniers retranchements. 

photo : Musée d'Orsay

Redon a écrit un jour qu'il ne représentait que “les fleurs des rêves, la faune de l'imagination”. Ses œuvres ne peuvent pas, comme les papillons qu'il a souvent peints, être fixées ; elles doivent voler librement dans l'esprit pour que l'on puisse en profiter. Elles sont quelque chose d'insaisissable, tout un jeu de couleurs et de lumière - c'est en soi leur signification.

La coquille , 1912 

photo : Cacaphonie (Wikipédia) 

Il fait surgir toutes les nuances pâles et lumineuses de rose de son arrière-plan plus sombre. Elle pourrait attendre que Vénus surgisse des roses tendres du creux. Bien que l'artiste ait peint ce sujet, il ne fait pas ici référence à un mythe ou à la littérature. Il s'agit simplement d'un coquillage (ou est-ce le cas ? Peut-être fait-il référence à la naissance après tout ?) que Redon nous apprend à voir à nouveau dans tout son mystère et son éclat sublime.

Voilà pour notre introduction à l'histoire du musée d'Orsay dans ses incontournables. Si vous avez aimé ce que vous avez lu et que vous voulez le voir par vous-même et en savoir plus, nous ne saurions trop vous conseiller de réserver un billet d'entrée au musée d'Orsay. tournée avec nous, vous éviterez de perdre du temps dans les files d'attente et profiterez pleinement de l'expérience du musée avec un guide de Memories France. Nous sommes impatients de partager avec vous notre amour et notre enthousiasme pour ce musée très spécial. Nous espérons vous voir bientôt !

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  Chaque année en septembre, Paris célèbre les Journées Européennes du Patrimoine, ouvrant les portes de monuments, de palais et de joyaux cachés habituellement fermés au public. En 2025, l'événement aura lieu les 20 et 21 septembre, et c'est l'occasion idéale d'explorer Paris comme un habitant. Des demeures aristocratiques du Marais aux ateliers d'artistes de Montmartre, nous avons rassemblé nos meilleures recommandations, ainsi que des conseils sur la manière d'aller plus loin grâce à nos visites guidées.