Bien que les origines du nom du musée se perdent dans la nuit des temps, le Louvre a, au fil des siècles et à travers les langues et les cultures, pris la signification suivante les musée par excellence.

Le Louvre, peut-être le plus grand musée du monde, n'a plus besoin d'être présenté, c'est une étape incontournable dans l'agenda de tout visiteur. Avec la plus grande collection de Léonard de Vinci, ses étonnantes salles égyptiennes, la Vénus de Milo, la Victoire ailée de Samothrace et des dizaines de milliers d'autres pièces, le Louvre est un trésor qui s'étend sur huit miles, d'un bout à l'autre, soit environ 15 hectares. Le musée est constitué d'une multitude de collections riches et variées, à tel point que cet article ne peut qu'évoquer quelques-uns des points essentiels de son histoire et de ses trésors.

Une meilleure compréhension du bâtiment et de ses collections peut être obtenue en réservant une visite de l'exposition. visite guidée avec nous, chez Memories France. Un guide expert vous fera découvrir les points forts, à une heure précise réservée pour éviter les files d'attente (vous partagerez l'espace à tout moment avec quelque 15 000 autres amateurs d'art), vous montrera les stars de cette scène artistique et vous expliquera l'histoire du Louvre à Paris, ancien palais devenu musée de classe mondiale.

Histoire du Louvre, Paris, France

Notre visite guidée vous en dira beaucoup plus, mais il faut commencer par expliquer comment le musée du Louvre a vu le jour.

12^th  à 14^th siècle

• Le roi de France, Philippe Auguste, a un plan. Il était sur le point de partir en croisade, mais il ne voulait pas laisser la bonne ville de Paris sans protection. Il a donc pris la décision médiévale logique et l'a entourée d'une belle et épaisse muraille et d'une tour de guet. Dans les profondeurs du musée, vous pouvez encore visiter les formidables fondations de ce donjon et de cette muraille qui devaient protéger Paris de tout danger.
• Au XIVe siècle, Charles V le Sage transféra la maison royale du Palais de la Cité (où il avait été attaqué en tant que prince héritier pendant la guerre de Cent Ans) à cette impressionnante structure et la rénova pour en faire une résidence digne d'un roi. Plus livresque que guerrier, il ordonna qu'une lanterne soit allumée dans sa bibliothèque à toute heure du jour ou de la nuit, car on ne sait jamais quand on peut avoir besoin de lire les aventures de Lancelot ou un traité de philosophie arabe d'avant-garde.
• Fier de ses rénovations, il joua même le rôle de guide touristique pour le Saint Empereur romain, lui montrant les splendeurs de la forteresse domestiquée, à l'intérieur comme à l'extérieur (et il n'y a rien de mieux qu'une visite guidée du Louvre, pourrait-on ajouter !)

16^th siècle

• Puis vint François Ier, le roi qui fit tant pour la beauté époustouflante des châteaux de la Loire. Une vieille forteresse ne convenait pas aux goûts princiers de l'homme qui fit construire le château de Chambord, et il fit donc démolir pierre par pierre le vieux Louvre. Il le remplaça par un palais digne de la Renaissance, doté de statues en façade, de salles et de couloirs en marbre, de corniches et de colonnes à cariatides pour de splendides cérémonies. (Conseil : ne manquez pas l'étonnante salle des Caryatides lors d'une visite au Louvre).
• S'il est une chose qui a inspiré le roi, c'est bien le temps passé en Italie, à faire la guerre, mais distrait par les talents éblouissants qui s'y déploient. Bien que rançonné, il réussit à se procurer Léonard de Vinci comme souvenir de ses voyages italiens. 
• Dans ses bagages, Léonard a gardé un portrait inachevé de la femme d'un marchand florentin au sourire mystérieux, véritable lot de consolation pour le roi perdant. Elle est devenue, comme on le sait, la Joconde d'aujourd'hui et constitue l'emblème de la collection de peinture française.
• Après lui, les rois et les reines ont continué à collectionner les artistes et les œuvres d'art. Un exemple en est la salle entière de toiles de Rubens représentant Marie de Médicis arrivant en France avec toute la délectation exagérée que l'on connaît à ce peintre.

17^th - 18^th Siècles

• Au XVIIe siècle, la famille royale s'est installée ailleurs (une histoire complètement différente que vous pouvez lire dans notre site Web). Visite de Versailles), laissant derrière eux une vaste collection de quelque 18 000 œuvres d'art.
• Au plus tard le 18^th siècle, le reste du palais abritait des artistes, dont certains peintres que vous admirerez ici - Jacques Louis David, Fragonard, et bien d'autres. Leurs enfants jouaient sur les toits, ce que les autorités tentaient en vain d'interdire. Ils se marient entre eux, ont des liaisons et des querelles, mais à la Révolution, ils se relaient dans les boulangeries.

Révolution et Napoléon

• En 1793, au plus fort du règne de la Terreur qui suivit la Révolution française, et alors que la guillotine était à l'œuvre sur l'actuelle place de la Concorde, le bâtiment, connu sous le nom de Muséum, ouvrit officiellement ses portes au public.
• En 1803, du coup d'État de Napoléon Bonaparte à sa chute en 1815, il était connu sous le nom de Musée Napoléon, une grande partie des collections étant un butin de guerre (campagne d'Égypte, par exemple). Quelque 5 000 pièces ont ensuite été rendues à leur pays d'origine, mais une partie est toujours là.

Occupation nazie, 1940-1944

• En 1940, les nazis sont descendus en trombe dans le pays. Grande Galerie Ils s'attendaient à devenir les maîtres des trésors du musée, mais seuls des cadres vides les attendaient. Les chefs-d'œuvre avaient tous été cachés dans des châteaux à la campagne, certains derrière des cheminées, selon un plan méticuleux élaboré dès 1938-1939.
• Le conservateur de l'époque a tenté d'alerter la RAF sur ces cachettes, afin d'éviter les bombardements. La radio londonienne répond en code : La Joconde sourit‘.”
• Toutes les œuvres, en particulier les sculptures, n'ayant pu être évacuées, l'occupant allemand rouvrit le “Musée du vide”, comme on l'appelait communément.

Aujourd'hui

• Inaugurée en 1993, la pyramide de verre - clin d'œil à la collection égyptienne - a été construite par l'architecte sino-américain I.M. Pei à la demande du président François Mitterrand en 1988, suscitant le même émoi que la tour Eiffel en son temps. Ses lignes classiques peuvent contraster avec l'extérieur orné du palais, mais leurs différences mêmes accentuent les beautés de chaque style.
• Sa construction facilite le passage des 9 millions de visiteurs qui franchissent son seuil chaque année, venus de près ou de loin pour admirer les œuvres, dont le nombre s'élève aujourd'hui à 35 000 et ne cesse de croître !

Les incontournables du Louvre : 20 pièces étonnantes à ne pas manquer !

Une fois de plus, un article de blog ne peut pas tout faire. C'est tellement mieux d'avoir un ami de Mémoires France Les guides du musée du Louvre vous emmènent directement aux œuvres les plus intéressantes et les plus célèbres du musée, vous expliquent chaque œuvre en détail et sont là pour répondre à vos questions. Voici cependant quelques-unes de nos préférées pour vous donner une brève idée :

1. Mona Lisa par Léonard de Vinci vers 1505

photo : C2RMF (Wikipedia)

Il est difficile d'apercevoir cette superstar, car elle est au sommet de la liste des choses à voir au Louvre et les foules qui l'entourent veulent toutes un autographe. Heureusement, ses yeux vous suivent. Il suffit de jeter un coup d'œil dans sa direction pour que son sourire reste gravé dans votre mémoire, sans que vous sachiez pourquoi. Le secret est pourtant là : Léonard était fasciné par l'âme qui transparaît dans les manifestations les plus subtiles de l'émotion. Ainsi, lorsque le marchand florentin Giocondo (ou “joyeux”) lui commande un portrait de sa jeune épouse, l'artiste se concentre sur l'endroit où les lèvres se rejoignent dans un sourire suggéré par l'ombre. De plus, il l'a peint avec une sous-couche blanche réfléchissante, précisément pour qu'il vous hante à jamais. Pourtant, il n'a jamais terminé le tableau, l'emportant avec ses affaires lorsqu'il s'est installé en France en tant que peintre de la cour du roi, et le retouchant au fil des ans jusqu'à sa mort en 1521.

Ne manquez pas les autres Leonardos devant lesquels les visiteurs semblent se promener, tels que La Belle Ferronnière, Il s'agit de l'anti-Mona Lisa, dont les lèvres semblent faire la moue et dont l'œil vous évite quel que soit l'angle que vous adoptez.

2. Le Grand Sphinx de Tanis 2620 / -1866 avant notre ère (Noubkaourê Amenemhat II ; IVe dynastie [ ?])

photo : Jörg Bittner Unna (Wikipedia)

Posez-moi une question : À quoi ressemblerait-il si nous pouvions associer la force animale à un esprit humain, voire divin ? Le résultat pourrait ressembler à cette créature trouvée dans les ruines sablonneuses du temple d'Amon-Rê à Tanis, en Égypte, comme si elle le gardait. Cette statue colossale prend le corps musclé et recroquevillé d'un lion et la tête d'un homme - pas n'importe quel homme, mais le portrait du pharaon, qui était considéré comme un dieu sur terre - et crée le sphinx hybride. Sa taille (peut-être le plus grand sphinx en dehors de l'Égypte), prête à bondir malgré sa forme colossale, crie le pouvoir du souverain. Résistez à la tentation de le nourrir !

3. Les esclaves par Michel-Ange vers 1525

photo : Jörg Bittner Unna (Wikipedia)

On disait de ce maître qu'avec sa nourrice, une femme de tailleur de pierre, il buvait de la poussière de marbre dans son lait maternel. Michel-Ange lui-même avait coutume de dire qu'à l'intérieur d'un bloc de marbre, il pouvait voir des “signes de vie” qui luttaient pour sortir, et que c'était son travail de les libérer. Le ciseau qui a travaillé ces figures considérées comme des incontournables du Louvre est si magistral que l'on s'aperçoit à peine qu'il s'agit de pièces inachevées. En fait, ici, les bien nommés “esclaves” pourraient être considérés comme se libérant de la prison de la pierre restante.

4. La liberté au service du peuple Eugène Delacroix 1830 

photo : Shonagon (Wikipédia)

Bouleversements après bouleversements ont marqué tout le XIXe siècle français. C'est la Révolution de 1830 que Victor Hugo a racontée dans Les Misérables,Le tableau, récemment restauré, a été réalisé quelques mois à peine après la chute des barricades. Delacroix n'y a pas participé mais s'est ensuite écrié : “Si je ne me suis pas battu pour mon pays, je peindrai au moins pour lui”. L'appel aux armes fut si vibrant que ce n'est qu'une cinquantaine d'années plus tard que la place du tableau au Louvre fut assurée. Regardez son Mort de Sardanapale à proximité, une orgie de couleurs. Ici, il est presque difficile de croire qu'il s'agit du même peintre, car au lieu d'un glamour de teintes vives et éclatantes, nous nous étouffons presque dans la fumée et la poussière de la bataille. Pourtant, il y a une note de couleur, ou trois notes : le bleu, le blanc et le rouge du drapeau français, pour la liberté, l'égalité et la fraternité qu'il représentait, levé en signe de défi, car il était illégal de l'arborer à l'époque où la bataille a été livrée. Entendez-vous les gens chanter ? 

5. Psyché ravivée par le baiser de Cupidon  Antonio Canova 1787-93

photo : Jean-Pol Grandmont (Wikipedia)

Le dieu de l'amour, Cupidon, sauve sa bien-aimée Psyché de la tentative de meurtre de Vénus jalouse (la belle-mère !). La sculpture de Canova est une œuvre aussi romantique que l'a jamais été le marbre, avec les amants dans le ballet lyrique d'une étreinte, entièrement livrés l'un à l'autre. Canova a parfaitement rendu la tendre tension dans l'espace entre les deux paires de lèvres, et pourtant la blancheur de la pierre souligne l'innocence, entre l'âme et le désir dans un monde d'avant la notion de péché qui l'a entaché. 

6. Victoire ailée de Samothrace  Pythokritos de Rhodes ( ?) vers 190 av.

Photo : Lyokoï (Wikipedia)

La figure héroïque lutte contre une rafale de vent pour atterrir et annoncer la grande nouvelle, ce qui explique son autre nom Nike, En grec, Victoire. L'intelligence du sculpteur de cet incontournable du musée du Louvre a fait ressentir, par la poussée de ses ailes gigantesques, les vents invisibles qu'elle combat pour se poser et accueillir le peuple en lui annonçant la victoire. Elle gagnera contre eux, malgré l'inégalité des forces en présence, malgré tout, elle gagnera, car c'est sa nature, elle vainc les vents contraires en atterrissant. Mais pourquoi cette figure de la Grèce païenne ressemble-t-elle tant aux porteurs ailés de bonnes nouvelles de la Bible ? En grec, la langue de l'Évangile, le mot pour messager est les anges.

7. La dentellière Johannes Vermeer 1669-1671

Photo : Philippe Lelong (Wikipedia)

Il s'agit moins d'un portrait de femme, dont le visage est volontairement laissé dans le vague, comme vu à travers une vitre légèrement floue. En fait, l'élément le plus précisément défini est le plus immatériel : le fil qu'elle tient. Plus qu'une représentation de ses traits, il s'agit d'une image de sa profonde concentration sur une tâche dont même le résultat est caché (on ne voit que les accessoires que sont le coussin, les épingles et le fil). Il en résulte le portrait d'une absorption totale, d'un moment profondément privé. Elle reste entièrement dans un monde qui lui est propre et auquel nous ne pouvons accéder que par le biais du portrait génial de Vermeer sur la vie intérieure d'une femme.

8. Le mariage à Cana Véronèse 1562-1563

photo Shonagon (Wikipedia)

Nous nous souvenons peut-être de l'histoire biblique dans laquelle Jésus transforme l'eau en vin pour un mariage, et pas n'importe quel vin, mais le vin de l'Église. meilleur vin. Pour honorer l'événement, le Vénitien Véronèse l'a peint en grand sur le mur de la salle à manger d'un monastère, et il s'agit d'une peinture exceptionnellement vénitienne. Il a transformé l'événement en un immense spectacle, avec une toile de fond théâtrale typiquement vénitienne, et comme musiciens, les peintres rivaux Titien et Tintoret (que vous verrez sur les murs environnants dans la même salle du Louvre). Notez le détail de la transparence du verre contenant ce vin merveilleux, qui nous permet d'assister à sa transformation. Cette transparence de la matière était une spécialité propre aux verriers de Murano, comme pour dire que seule une création exclusivement vénitienne pouvait être digne de contenir le premier miracle public du Christ.

9. Le radeau de la Méduse Théodore Géricault 1818-19 

photo Source inconnue (Wikipedia)

Le Medusa était à certains égards le Titanic de son époque. L'incompétence des autorités abandonne les passagers d'un navire naufragé à une mort certaine sur un radeau de fortune qui n'est même pas assez grand pour les contenir. Pour un réalisme sans concession, Géricault a tenu à interroger les survivants, qui ont même dû recourir au cannibalisme, et à utiliser des cadavres médicaux pour modéliser les morts, ces personnages les plus proches de nous. On ne s'étonnera pas que l'artiste ait terminé son tableau par une dépression nerveuse. L'un des choix les plus émouvants mais aussi les plus scandaleux du peintre, dans un monde où Napoléon avait rétabli l'esclavage, fut de placer au sommet de la pyramide du tableau un Noir comme héros, appelant, espoir contre espoir, un autre navire à la rescousse, et, face à l'adversité, réussissant et gagnant la journée pour tous les survivants.

10. Vénus de Milo IIe siècle avant J.-C. ? Alexandros 

Photo Shonagon (Wikipedia)

L“”autre femme“ du Louvre, cette Vénus porte à sa base l'inscription ”Alexandros, fils de Menides, citoyen d'Antioche de Maeander a fait la statue". Elle a été découverte par des fonctionnaires français et un paysan local sur une petite île grecque, où la mer n'est jamais loin, rappelant au spectateur la naissance de la déesse. Aujourd'hui sans bras, elle tenait autrefois la pomme de la discorde - à ne pas confondre avec celle d'Ève - qui déclencha la guerre de Troie. Elle se dresse sur son piédestal comme un pilier, sans âge, son propre mystère, comme la Joconde de Léonard de Vinci, d'un autre âge. Comme elle a rejoint les rangs des dames du Louvre juste après sa découverte en 1820, on pense qu'elle a pu servir de modèle à la figure de la Liberté de Delacroix pour son tableau La Liberté guidant le peuple, plus haut dans cette liste.

11. Le code d'Hammourabi  ca. 1760 avant J.-C.

photo : Mbzt (Wikipedia)

Il s'agit de la première trace au monde d'un code juridique écrit. Ici, le souverain Hammourabi, à l'instar de Moïse, reçoit une loi divine inscrite sur une tablette de pierre, directement du dieu soleil Shamash. Notez que le roi n'est pas à genoux, comme le héros de la Genèse, mais debout, les yeux dans les yeux avec la divinité. L'écriture cunéiforme semble découler de lui, et le fait même qu'elle soit inscrite dans la diorite donne un sens à l'expression “écrit dans la pierre”.” 

12. Taureaux ailés de Khorsabad (Lamassu) 721-705 avant notre ère

photo M. Chohan (Wikipedia)

Le Lamassu, figure emblématique du palais assyrien de Khorsobad, dans l'actuelle ville de Mossoul, en Irak, protégeait les seuils, les lieux liminaires considérés comme vulnérables aux attaques extérieures, physiques ou métaphysiques. Et en effet, avec leur tête humaine et leur corps de taureau surmonté d'ailes d'oiseau, on espère vraiment être dans leur camp. Sculptés pour être placés à l'entrée des palais ou face aux rues ou aux cours, ils sont destinés à être vus de face ou de profil, comme en témoignent leurs cinq pieds particuliers, qui leur donnent un aspect statique lorsqu'on les regarde de face, alors que, vus de côté, ils semblent marcher, ce qui constitue un premier succès dans la capture du mouvement à l'aide de l'image.

13. Bethsabée à son bain, Rembrandt 1654

photo : Source inconnue (Wikipedia)

Rembrandt reprend la tradition du nu couché et bouleverse complètement ce qui est habituellement un plaisir pour les yeux, en donnant à son sujet une vie intérieure tragique. Cette beauté a un esprit et cet esprit est profondément préoccupé, car la lettre qu'elle vient de lire l'informe que le roi David l'a vue se baigner et, après avoir envoyé son mari mourir à la guerre, l'a maintenant convoquée au palais. A-t-elle encore le choix ? Elle se prépare à rencontrer son destin dans un éclairage dramatique que Rembrandt a tiré du Caravage. À l'origine, le peintre pensait que les yeux de la jeune femme seraient levés en signe de prière, mais il s'est ravisé. En la faisant regarder vers le bas, on comprend mieux qu'elle pense, qu'elle réfléchit à tout cela et qu'une immense tristesse imprègne ses traits.

14. Le sarcophage des époux Fin du 6e siècle avant notre ère

photo sailko (Wikipedia)

Ce chef-d'œuvre étrusque est une sculpture funéraire : L'épouse et l'époux vivent après la mort, égaux en taille et donc en humanité, ensemble pour toujours. La mort ne les sépare pas. Comme des hôtes, les époux souriants lèvent une coupe à votre santé, comme si l'au-delà était un dîner dans l'éternité. Cette approche de l'au-delà est très éloignée de celle de toute autre culture voisine, qu'elle soit grecque, romaine ou chrétienne. Levez-vous votre verre et portez-vous un toast à votre tour ?

15. Mlle Rivière, Jean Auguste Dominique Ingres 1805

photo : Shonagon (Wikipedia)

Cette jeune fille, Caroline Rivière, qui aurait pu sortir d'une traduction française d'un roman de Jane Austen, est représentée sur le mur du Louvre entre ses parents adorables, Philibert et Sabine. Ingres, souvent considéré comme le maître de la ligne par opposition à son rival Delacroix la couleur, nous a donné le rendu le plus délicat et même précieux de cette beauté de treize ans, dans une robe blanche qui, bien qu'à la mode, accentue son innocence, tout comme son étole de fourrure qui semble à la fois la protéger et la câliner. Le peintre l'a placée, de manière tout à fait inhabituelle, dans un paysage qu'il n'a plus jamais utilisé pour les femmes, comme si sa modèle jouissait encore de la liberté de la fin de l'enfance, un état qu'elle ne quittera jamais, puisqu'elle est morte l'année suivant l'achèvement du portrait. Ainsi, l'image d'Ingres l'a préservée dans une sorte d'ambre, une jeune fille éternellement sur le point de devenir une femme, sans jamais y parvenir.

16. L'œuvre de Watteau Gilles 1718-1719

photo : Fanghong (Wikipedia)

Avec la délicatesse nostalgique du pinceau de Watteau, l'artiste rococo a capturé cet homme dont l'attitude mélancolique dément son costume de comédie italienne. On aperçoit ses compagnons de jeu regroupés à ses pieds. Bien que le costume l'identifie comme le malheureux Pierrot amoureux, on ne peut s'empêcher de voir en lui l'archétype des clowns tristes qui ont toujours été parmi nous, certains à notre époque, et dont le rire cache les larmes. Mais Docteur, je suis Pagliacci“.

17. Le Titien Concert Champêtre ca. 1500 / 1525

photo C2RMF (Wikipedia)

Le titre pourrait se traduire par “le concert champêtre” où deux musiciens semblent pique-niquer dans un décor verdoyant et brumeux. Titien, maître des peintres de Venise, s'inspire de l'amour de la ville pour les paysages et la verdure (il ne devait pas y avoir beaucoup d'arbres et d'herbe au milieu du marbre flottant sur la mer salée) pour montrer... quoi ? On n'a jamais très bien compris ce qui se passe ici. Les nus sont-ils des muses, là pour inspirer les musiciens ? Les hommes les voient-ils au moins ? Une autre chose que les Vénitiens aimaient pour leurs peintures de chevalet (par opposition aux peintures murales de Florence qui n'avaient, idéalement, qu'un seul propriétaire) était les sujets déroutants qui, en changeant de main d'un collectionneur à l'autre, pouvaient changer de signification pour les yeux de celui qui les possédait actuellement.

18. Mort de la Vierge Caravaggio 1606

photo Masur (Wikipedia)

Il est difficile de croire que cette image incroyablement émouvante de la mort de la mère de Jésus ait pu scandaliser les spectateurs de l'époque, mais le Caravage se délectait du scandale et savait parfaitement comment déclencher la hiérarchie de l'Église. Il n'est peut-être pas surprenant qu'il ait fait appel à une courtisane pour représenter Marie-Madeleine, dont la réputation n'est plus à faire, mais des rumeurs ont également circulé selon lesquelles la Vierge elle-même aurait été modelée d'après la propre maîtresse prostituée du peintre. De plus, le corps boursouflé de la Mère de Dieu, elle-même issue de l'Immaculée Conception, semble trop en proie aux “mille chocs naturels/auxquels la chair est héritière”, comme aurait pu le dire Hamlet, alors que les représentations plus typiques de la scène portaient sur la gloire transcendante. Mais en s'attardant sur les détails corporels de la mortalité, le chagrin de ceux qui l'aimaient prend tellement plus de sens, et nous le ressentons en même temps qu'eux.

19. Serment des Horaces, Jacques-Louis David 1784

photo : wartburg.edu (Wikipedia)

On est souvent surpris d'apprendre que ce tableau de sacrifice patriotique - on y voit trois jeunes hommes jurant à leur père de protéger Rome jusqu'à la mort - a été peint quelque cinq ans avant que n'éclate la Révolution. Il a même été commandé par le roi lui-même, celui-là même dont le peintre votera la mort neuf ans plus tard. Véritable révolutionnaire, David organisera même les célébrations civiques de la nouvelle nation. On peut y déceler son sens de la mise en scène d'un tableau théâtral, qui doit inciter les spectateurs à l'action et à l'amour de la République, le tout dans un langage néoclassique musclé radicalement nouveau, qui rejette entièrement la douce féminité du rococo qui l'a précédé. Il s'agit d'une œuvre entièrement nouvelle et les élèves de David étaient tellement ravis de ce succès retentissant que, lorsque l'œuvre a fait sa première apparition sur les murs du Salon, ils l'ont ramené à la maison, les épaules hautes et triomphant de toute l'école française de l'avenir. Et quel avenir !

20. Portrait de Madeleine par Marie-Guillemine Benoist 1800

photo :Shonagon (Wikipedia)

La peintre Marie-Guillemine Benoist (1768 - 8 octobre 1826), élève de David, vivait de son pinceau, une histoire en soi, mais il s'agit ici du choix de son modèle, dont le nom, Madeleine, ne lui a été restitué que récemment. Neuf ans seulement avant son apparition sur les murs du Salon en 1800, les esclaves de l'actuelle Haïti s'étaient soulevés pour réclamer leur liberté, inspirant ainsi l'un des moments les plus glorieux de la Révolution française, l'abolition de l'esclavage en 1794. Ici, le blanc de la robe du modèle, complété par le rouge de sa ceinture et le bleu de la chaise sur laquelle elle est assise, semble rappeler les idéaux que représente le tricolore : Liberté, Égalité, Fraternité (Deux ans à peine après son exposition au Salon, l'esclavage sera rétabli par Napoléon dans les îles qui étaient sa patrie). Il a été noté que la signature de l'artiste est du même pigment que la peau de l'artiste, ce qui met en évidence un sentiment de fraternité et est souligné par le fait qu'elle l'a placée le long de la jolie main de Madeleine, comme si ces deux femmes étaient les créatrices de cette image.

Ces 20 œuvres ne sont qu'un aperçu de l'infinie variété des merveilles du musée du Louvre, un avant-goût de ses enchantements. Notre tournée Le guide du palais et de ses collections peut vous faire découvrir bien d'autres choses. De plus, grâce à nos réservations à l'avance, vous évitez les files d'attente et votre guide connaît les meilleurs itinéraires pour parcourir les 9 miles de couloirs, au milieu des 15 000 autres personnes avec lesquelles vous partagerez le musée à tout moment ! En prime, une fois que vous avez dit au revoir à votre guide, que vous avez évité les files d'attente, vous êtes libre de suivre votre propre fantaisie vers les collections qui vous parlent, grâce aux connaissances et à la compréhension que vous avez acquises lors de votre visite jusqu'à présent.

Faites l'expérience complète du musée du Louvre et réservez un visite guidée pour votre prochain voyage. Restez en contact ! Nous serions ravis de vous faire visiter les lieux !

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