Cette semaine, la semaine de la mode de Paris printemps-été 2026. Avec le tourbillon de la semaine de la mode, prenons le temps de combiner deux de nos choses préférées, la mode et la peinture impressionniste ! Vous n'associez peut-être pas immédiatement Monet et Renoir à la peinture impressionniste. la haute couture, mais le mouvement qu'ils dirigeaient était amoureux des tendances vestimentaires les plus récentes.

Tout cela s'est passé dans le contexte du Nouveau Paris du milieu du XIXe siècle, l'habitat naturel des impressionnistes. Sous le Second Empire, le préfet de Napoléon III, le baron Haussmann, a commencé à transformer la ville médiévale, crapoteuse et exiguë, en larges boulevards bordés d'arbres que nous connaissons et aimons aujourd'hui. En 1870, la transformation était pratiquement achevée et avait donné naissance à un tout nouveau mode de vie urbain. C'est ce que les impressionnistes - dont la première exposition a eu lieu en 1874 - ont voulu peindre : quelque chose de résolument moderne. Ces artistes ont voulu saisir les instants de ce que l'on a appelé la ’capitale du dix-neuvième siècle“. Que ce soit dans les banlieues verdoyantes ou au milieu de l'agitation du centre-ville, leur travail a enregistré les éphémères en constante évolution de la mode comme partie intégrante de leur tentative d'épingler la lumière changeante et les éclairs transitoires de lueur et de scintillement dans les rues de la ville. plein-air peinture. 

Mais comment fonctionnait la mode à l'époque ? 

Le moulin de La Mode 

1. Au sommet se trouvent les créateurs de tendances, comme la consort régnante, l'épouse espagnole de l'empereur, Eugénie de Montijo, et son cercle de proches. Elle reçoit 100 000 francs par an pour sa garde-robe. Cela peut paraître excessif, mais ça l'est. Mais en même temps, il y avait une raison : les coutumes de la cour exigeaient qu'une femme s'habille et se rhabille pour chaque étape de la journée. Une robe différente était appropriée pour le matin, l'après-midi et le soir, avec des codes spécifiques pour chacun, qu'il s'agisse de l'intérieur ou de l'extérieur, d'une robe de réception ou d'une robe de visite. Les archives montrent que l'impératrice en a empaqueté vingt pour une seule semaine dans leur château de campagne à Compiègne, non loin de là. L'image ci-dessous vous donne un aperçu de ce à quoi cela ressemblait. 

Attente, Château de Compiègne, 1855 (crédit : Wikipedia, LordT)

• À peu près au moment où elle a été peinte, la crinoline à cage est apparue, donnant les volants étendus que l'on voit ici. Alors que la jupe large était déjà en vogue depuis un certain temps, cette légère contraction d'os de baleine remplaçait des couches et des couches de jupons rigides et lourds, permettant une plus grande liberté de mouvement tout en exagérant sa forme de cloche à une circonférence exorbitante. En même temps, les cerceaux rappellent les sacoches de la génération de Marie-Antoinette. Comme le Second Empire a commencé dans une coup d'État, Le prix élevé de la garde-robe d'Eugénie a dû sembler juste à payer. Le prix élevé de la garde-robe d'Eugénie a dû sembler raisonnable. 

• Au gré des caprices d'Eugénie et de son entourage, les personnes les plus aisées ont suivi la tendance et dépensé leur argent disponible pour l'imiter, dans le but de brouiller les pistes. grande bourgeoisie des vrais “happy few”. Dans un monde où les dames de cette classe ne travaillaient pas (du moins pas payé ), cette consommation ostentatoire était financée par le père ou le mari. Comme dans le cas de l'impératrice, le prix devait sembler équitable aux messieurs en question, car il s'agissait d'une démonstration du pouvoir d'achat des hommes, qui se traduisait par la façon dont leurs femmes et leurs filles s'habillaient.

• Pour ceux qui avaient plus d'ambition que de moyens, il y avait le nouveau phénomène des grands magasins, comme le réaménagement en 1850 du Bon Marché sous une forme proche de celle que nous connaissons aujourd'hui (Ah, Paris ! Où la thérapie par le détail est une coutume culturelle et historique ancestrale !) Ces institutions proposaient même des versions bon marché et prêt-à-porter de la haute couture. Cette petite bourgeoisie imitaient ceux qui étaient socialement au-dessus d'eux avec des articles préfabriqués qui constituaient une option passable, voire un budget, pour ceux qui travaillaient probablement pour gagner leur vie et n'avaient pas nécessairement une famille qui pouvait s'offrir le luxe d'une couturière.

• Les rangs des modistes, blanchisseuses et autres “working girls” (à cette époque, le travail du sexe était souvent moins une profession à part entière que des vendeuses devant faire face aux factures de fin de mois, puis retourner vendre des chapeaux jusqu'à ce que le loyer soit à nouveau dû), qui n'avaient pas souvent des compagnons aussi généreux, imitaient les classes moyennes en y apportant leur propre touche. Les robes étaient peut-être bon marché, mais comme ces femmes travaillaient souvent dans le secteur de la confection, elles pouvaient avoir un flair que la classe supérieure pouvait leur envier, en lançant leurs propres tendances.

• Entre-temps, les élites auraient à nouveau besoin de se distinguer des autres masses, affirmant leur statut de membres de la foule en ajustant les cerceaux aux tournures, ainsi que les formes de manches et les décolletés, et le cycle recommencerait, voilà

Le défilé impressionniste 

Forts de ces connaissances, nous allons maintenant nous promener virtuellement dans les Musée d'Orsay et voir ce que la mode La peinture de l'époque, telle qu'elle a été peinte par les impressionnistes et leurs amis dans ces collections aux couleurs éclatantes, est un élément essentiel de l'histoire de l'Europe.

James Tissot (1836-1902)

Miss L.L. (Portrait de Mademoiselle L.L.).) 1864 (non affiché actuellement)

(crédit : Wikipedia :, Nono314)

Le peintre James Tissot, proche des impressionnistes, partageait l'intérêt du mouvement pour le monde moderne et utilisait la mode comme moyen d'exprimer cet intérêt pour le présent. Fils d'une modiste et d'un marchand de draperies, il est venu à cet intérêt en toute honnêteté. Nous pouvons le voir dans cette modique et mystérieuse Mlle L.L., dont l'identité s'est perdue dans le temps. Mais en 1864, les goûts de celles qui étaient assez riches pour s'offrir ce changement évoluaient vers une silhouette de jupe légèrement plus étroite. C'est perceptible ici, si l'on compare cette jeune femme à Eugénie et à ses dames. Pour souligner le statut de Mme L.L., Tissot l'a habillée en fonction de ce changement récent. De plus, il l'habille à l'espagnole, une vogue qui fait un clin d'œil à l'origine ibérique de l'impératrice, avec son budget vestimentaire de 100 000 francs. Mademoiselle arbore même une combinaison de couleurs noire et rouge typique de ce style, ainsi qu'une veste boléro. Cela souligne soit son appartenance à ce cercle enviable, soit son désir d'en avoir l'air.

Claude Monet (1840-1926) 

Déjeûner sur l'Herbe, 1865-1866 

(crédit : Wikipedia, Alonso de Mendoza)

On a l'impression d'être à la campagne, mais on n'est pas loin de la ville, près de Fontainebleau, à 35 km au sud de la capitale, tout ce qu'un peintre pauvre pouvait se permettre s'il le payait (ce n'était pas toujours le cas). Même si cela semble bucolique, c'est cette ultime invention de la modernité, le train, qui, en 1849, a rendu accessible Chailly-en-Biére, une réserve naturelle depuis 1862. Trois ans plus tard, Monet et sa bien-aimée Camille, qui pose ici, passèrent l'été à Chailly, afin de pouvoir peindre ce chef-d'œuvre, réduisant encore les coûts en faisant appel à des amis pour poser et capter la belle lumière saisonnière. En fait, son colocataire d'atelier est Frédéric Bazille, au premier plan à droite. Les amis sont habillés pour le pique-nique, dans des vestes confortables et informelles. Les femmes, en revanche, sont en grande tenue et posent comme si elles étaient des mannequins de magazine montrant leurs tenues. Ou plutôt, elles sont posées. Monet, tel un Tim Walker d'antan, les a placées dans des attitudes étudiées, pour mieux montrer les atours dont il les a parées, bien au-dessus de leur condition. Camille est la vedette, au premier plan, dans une magnifique robe de la meilleure mousseline à pois, avec tous les détails les plus élégants. C'est comme s'il voulait l'habiller avec tous les accoutrements que seule son imagination pouvait se permettre, et que sa carrière de peintre, à ce stade, ne pouvait pas se permettre. La robe capte la lumière de la fin de l'après-midi, comme un manifeste de ce que sera l'ensemble du programme impressionniste, évoquant les plaisirs fugaces d'une journée à la campagne, en fin d'après-midi, juste au moment où le devoir nous appelle et où nous devons retourner à la vie urbaine. 

Femmes au Jardin 1866

(crédit : Wikipedia, Le projet Yorck (2002)) 10.000 Meisterwerke der Malerei)

Dans une peinture sœur de la Déjeûner, Monet Les femmes au jardin La robe est un clin d'œil évident au portrait de l'impératrice et de ses dames d'honneur, tout en crinoline et en jolies nuances de volants et de froufrous. Autre clin d'œil à Eugénie et à ses origines espagnoles, la star de ce spectacle idyllique est vêtue d'une veste de style “señorita”. Cette femme est Camille, encore une fois, ....as est la femme en pêche avec le bouquet... ainsi que son compagnon de profil à gauche, comme un photomontage tout droit sorti des pages de Vogue. C'est comme si Monet n'arrivait pas à décider quelle robe convenait le mieux à son modèle bien-aimé, et qu'il se contentait de la peindre trois fois. Ou peut-être ne pouvait-il pas payer plus de modèles qu'elle et la rousse qui cueille la fleur ? À ses débuts, “Dine-and-Dash” Monet se moquait de ses amis, laissant une traînée de factures derrière lui où qu'il aille. Mais dans son esprit et avec son regard, il pouvait vêtir sa compagne des mousselines et des soies les plus fines, avec des détails d'avant-garde - notez la soutache étendue et finement ouvragée de Camille assise - comme les grandes dames des échelons sociaux les plus élevés. Ce faisant, il peut également explorer la façon dont les différents tissus font rebondir ou absorbent la lumière, une marque de fabrique impressionniste. Dans ces tableaux, Camille devient une sorte de poupée de papier que Claude met en scène dans le dernier cri du luxe parisien, jouant en quelque sorte le rôle de son couturier, et posant à nouveau comme un photographe de mode avant l'heure. En fait, le décor de jardin est aussi une référence aux plaques de mode actuelles qui placent si souvent les figures féminines gravées au milieu de la verdure, qu'il s'agisse de jardins ou de palmiers en pot.

Le tableau a été immédiatement récupéré par son compagnon d'atelier Bazille, que nous avons vu dans l'exposition. Déjeuner sur l'Herbe.

Frédéric Bazille (1841-1870

 Réunion de Famille 1867

(crédit : Wikipedia, Shonagon)

À l'âge de 29 ans, Bazille est tombé pendant la guerre franco-prussienne, quatre ans avant la première exposition impressionniste de 1874. En raison de sa mort prématurée, son nom n'est pas aussi connu que celui de Monet et de Renoir. Pourtant, Bazille et Monet louaient un studio ensemble à Paris à l'époque, et appartenaient à l'Atelier Gleyre avec Sisley et Renoir. À l'époque de cette peinture, Bazille était sous le charme de ce qui allait devenir la quête impressionniste des jeux de lumière sur des textiles texturés en plein air. Dans cette Réunion de famille, Tout comme Monet faisait un clin d'œil à Winterhalter, Bazille faisait un clin d'œil à Monet. On peut dire qu'il possédait (et aimait !) les tableaux de l'artiste. Les femmes au jardin. Peinte trois ans avant sa mort, cette Réunion nous offre une image de sa famille réunie sous un marronnier dans leur propriété près de Montpellier, dans le sud de la France. Si l'amour de Bazille pour la lumière de son pays natal est immédiatement palpable - et typiquement impressionniste - nous pouvons également voir à quel point il s'intéressait aux vêtements et à la façon dont ils définissaient un rôle social. Les chapeaux de certaines d'entre elles nous indiquent qu'elles viennent de l'extérieur et qu'elles sont donc des visiteuses, ce qu'un spectateur des années 1860 reconnaîtrait également à leurs tissus plus lourds et à leurs couleurs plus sourdes. Les robes légères en coton des filles Bazille sont parfaites pour recevoir des invités à la maison, mais des tissus aussi légers et fragiles ne conviendraient pas pour sortir. Leur mère règne sur la scène à gauche dans un bleu magnifique à côté de son père. Les chaussures de ces messieurs sont toutes polies et brillantes, bien qu'elles aient foulé le sol poussiéreux de l'été. Pour le reste, les hommes portent des couleurs beaucoup plus ternes que les femmes, et ne sont pas aussi individualisés - en fait, ils ont tendance à se ressembler. Dans une famille bourgeoise comme celle-ci, la parure des dames signale la richesse des hommes qui l'ont payée, comme un investissement dans l'étalage au monde du statut social et des revenus. Il est également intéressant de noter que tout le monde regarde vers le spectateur (remarquez le peintre Frédéric, qui a peint sa propre figure au fond à gauche bien plus tard), à l'exception d'une personne. Le père de Bazille n'était pas très content que son fils ait abandonné la respectable étude de médecine pour devenir un peintre sans scrupules, et, pour ajouter l'insulte à l'injure, il est en train de le peindre.

Retour à Monet

Mme Louis Joachim Gaudibert,1868

(crédit : Wikipedia, Le projet Yorck (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei)

Revenons maintenant au compagnon d'atelier le plus célèbre de Bazille. Monet n'a jamais été un grand portraitiste, mais le riche marchand Louis Joachim Gaudibert lui demande de peindre sa femme, Marguerite-Eugénie-Mathilde. Pauvre en souris d'église, l'artiste n'est pas en mesure de refuser. Mais il s'attelle au projet avec son originalité habituelle. Au lieu d'une étude de son visage, Monet lui fait tourner la tête ; il nous laisse surtout admirer une robe plutôt qu'une femme, une robe d'après-midi en soie pour être précis. La modeste teinte beige brunâtre en fait une femme mariée respectable. Non seulement les couleurs vives et claires de la robe de mariée ont disparu, mais elles ont été remplacées par une robe d'après-midi en soie. Déjeûner et le Le jardin Les jeunes célibataires, mais aussi leurs cerceaux de crinoline, aujourd'hui dépassés. La silhouette est plus appuyée vers l'arrière, et l'ourlet de Madame suit le sol de son salon, où elle est prête à recevoir des invités à domicile. Bien sûr, pour se déplacer, elle aurait besoin d'une traîne relevée, mais il ne s'agit pas d'une robe de promenade. Heureusement, chez les Gaudibert, il y a des domestiques pour faire entrer les invités dans le salon et servir le thé.

Edouard Manet (1832-1883)

Le Balcon1869

S'inscrivant dans la vogue de tout ce qui est espagnol, cette peinture fait référence à l'œuvre de Goya. Majas au balcon,(1808-1814), un compliment à la patrie de l'impératrice. 

(crédit : Wikipedia, Escarlati)

À gauche du tableau français se trouve l'amie et la muse de Manet, qui deviendra dans cinq ans sa belle-sœur, l'artiste impressionniste Berthe Morisot. Il l'habille, ainsi que sa compagne, des silhouettes à jupe triangulaire des dames de la haute société à la veille de 1870. Il la place dans le rôle d'une des femmes de Goya. majas, Il insiste sur le fait qu'elle est fermée au monde. Est-elle à l'abri ? Ou emprisonnée ? Avec son regard intense vers l'extérieur, elle semble souhaiter être ailleurs, peut-être sortir au milieu de la foule, sur l'un des nouveaux boulevards en contrebas du balcon, dans le brouhaha et la vie telle qu'elle est vécue. Manet a cependant choisi avec soin son costume, car elle porte une robe d'intérieur pour recevoir et, en tant que dame de la haute société, elle ne sort de chez elle que dans des conditions strictement contrôlées. On peut l'imaginer tapotant ses plis et arrangeant ses manches avec précision, comme n'importe quel perfectionniste du monde de la mode destiné à transmettre sa vision et son sens.

Auguste Renoir 1841-1919

Danse au Moulin de la Galette (Bal du Moulin de la Galette) 1876

(crédit : Wikipedia, Coat of Many Colors)

Montmartre ! Ce nom évoque les artistes et leurs modèles, un paradis bohème débordant de génie et de joie ! En marge de Paris, le vin y est moins cher, tout comme les loyers, et c'est ainsi qu'il devient le refuge de ceux qui ont plus de talent que d'argent, mais aussi d'autres personnes qui se débrouillent pour vivre un tant soit peu. Pour les femmes, il s'agit des blanchisseuses, des chapelières, des modistes et de leurs assistantes. L'une des plus populaires rendez-vous était Le Moulin de la Galette. Les rafraîchissements étaient proposés à des prix raisonnables et - en tant que café en plein air avec des danses organisées le dimanche en été - qu'y a-t-il à ne pas aimer pour un artiste affamé ? Des filles, de la lumière, des couleurs et du mouvement, tout est là pour la peinture. Renoir était un habitué de cette foule, qui cherchait à dépenser quelques sous pendant son temps libre limité. C'est là aussi qu'il dénichait ses modèles, parmi les jolies clientes (l'entrée était gratuite pour les femmes), comme ces couturières qui cousaient pour les riches, à l'instar de Mimi, l'héroïne malheureuse de La Bohème -- et ont ensuite créé leur propre mode à partir des chutes, complétant ainsi le cycle du moulin à papier. la Mode dont nous avons parlé plus haut.

La Balançoire (The Swing) 1876

(crédit : Wikipedia, Themadchopper )

Renoir peint ensuite Jeanne Samary qu'il a rencontrée à l'hôtel de la ville. Moulin (sa sœur Estelle est dans les rayures bleues et roses du tableau précédent). La rue Cortot, toute proche, lui offre une maison avec un grand jardin qui lui sert de décor (que l'on peut encore visiter aujourd'hui au musée de Montmartre). Jeanne porte une robe à coutures princesse qui épouse la ligne du corps. Les crinolines, les cerceaux et même les tournures ont disparu : le grand couturier Charles Frederick Worth les a balayés comme autant de reliques d'une époque révolue. Aujourd'hui, une robe fourreau met en valeur les courbes. S'il y a encore des volants, ils mettent en valeur une ligne ininterrompue pour une silhouette “longiligne”. Les vraies princesses, comme Alexandra de Galles, qui a donné son nom à la coupe, la faisaient tailler sur mesure. Une jeune fille de la classe ouvrière, en revanche, aurait dû se contenter d'une contrefaçon de grand magasin - ou même du travail de ses propres mains - si elle avait eu autant de loisir. Mais, pour Renoir, Jeanne est la vraie princesse dans une robe bon marché mais charmante, toute de boutons et de nœuds soulignant la ligne verticale à la mode et enchantant ses soupirants coiffés d'un chapeau de paille

Gustave Caillebotte (1848-1894)

Partie de bateau (Boating Party), 1877-1878 (non affiché actuellement)

(crédit : Wikipedia, Versailles39)

À l'autre extrémité du spectre social, Gustave Caillebotte était, comme son ami Manet et Degas, un homme de la haute société et un collectionneur des œuvres des impressionnistes, tout en étant peintre lui-même. Il nous montre ici un gros plan d'un gentleman ramant avec un compagnon invisible sur l'Yerres, près de la maison de campagne de la famille du peintre. Ce passe-temps était nouveau pour ce milieu, l'un des rares cas où l'on pouvait voir un gentleman en manches de chemise (il ne fallait pas déchirer une couture taillée précisément à la mesure de ses épaules). Pourtant, il porte toujours le gilet de son costume et un haut-de-forme dans ces circonstances, tandis que son nœud papillon est parfaitement noué, même s'il transpire à grosses gouttes dans ses efforts avec les rames. Ce dandy parfaitement correct est bien loin des humbles beaux de Jeanne.

Edgar Degas (1834-1917) 

Femmes à la terrasse d'un café, Evening (Femmes devant un café, le soir) 1877 (non affiché actuellement)

(crédit : Web Gallery of Art)

Les larges avenues d'Haussmann offraient de l'espace aux établissements de restauration et de divertissement qui pouvaient s'étendre sur les nouveaux et vastes trottoirs. C'est là que n'importe quel passant peut s'asseoir pour un moment, une heure ou une soirée et se reposer avec un café ou un verre de vin, en regardant simplement passer la Ville Lumière. C'est certainement un sentiment que tout visiteur de Paris peut éprouver, quel que soit le siècle. Et c'est ce qu'ils ont fait, dès l'Expo de 1867, en profitant du spectacle de Paris. Les décennies suivantes ont transformé ce phénomène social en une institution qui survit encore aujourd'hui avec enthousiasme et bonheur.

Pourtant, d'autres types de “faune” sont attirés par ces lieux. Une dame non accompagnée pouvait oser s'y asseoir, mais si elle le faisait dans certains cafés, un homme ne tarderait pas à l'approcher, surtout en fonction de la façon dont il interpréterait sa robe. Ici, Degas nous montre des femmes qui seraient correctement interprétées par un tel homme comme étant disponibles à l'heure - des robes criardes, mal ajustées, criardes et audacieuses. Tout comme les vêtements plus raffinés des femmes convenables appartenant à l'univers de Manet, Bazille ou Caillebotte, il s'agit également d'un étalage destiné aux hommes. Ces hommes, cependant, ne sont pas des pères ou des maris exhibant leur richesse, mais des clients potentiels rôdant autour d'un bon moment avec une compagnie qui a un prix. Ces deux femmes semblent se reposer entre deux clients, se plaignant l'une à l'autre en se mordant le pouce pour dire “J'ai des cacahuètes !”.” 

Curieusement, les femmes impressionnistes se soucient beaucoup moins des détails vestimentaires que les hommes !

Berthe Morisot (1841-1895)

La muse et la belle-sœur de Manet sont issues de la même classe sociale, ce qui permet au peintre plus âgé de s'encanailler dans les boîtes de nuit avec de l'argent liquide. Morisot, quant à elle, menait par nécessité une vie plus restreinte, digne d'un peintre. bourgeoise. Ses sujets étaient des jeunes femmes dans les activités quotidiennes des classes supérieures, mais son rôle de femme et ses relations étroites avec ceux qui posaient pour elle lui donnaient un accès privé que Manet, malgré son argent et son indépendance masculine, n'avait pas. Manet aimait peindre des nus comme Olympie, Les femmes sont souvent des femmes, et elles peuvent se permettre de payer leurs tarifs, mais les différentes étapes de la vie d'une femme ne sont pas toujours faciles à gérer. toilette était quelque chose que les hommes ne pouvaient connaître que de l'extérieur, et non pas comme Morisot le savait en le vivant, en y participant régulièrement, par sa propre expérience, ou celle de ses sœurs, de sa mère ou d'autres personnes. Les femmes “respectables” apprenaient en effet à ne pas parler de ces questions à leur mari.

Jeune femme se poudrant, 1877

(crédit : Wikipedia, Thierry Caro)

Ici, nous voyons une jeune femme en sous-vêtements se poudrer le visage, ce que Morisot aurait fait ou vu faire un million de fois, et pourtant l'acte entier est pris dans le flou de ses coups de pinceau - nous ne voyons pas les détails, comme si le flou de la poudre obscurcissait les détails de la dentelle et de la couture.

Manet a peint une scène similaire (qui a inspiré qui ?) la même année.

Mais contrairement à la scène de Morisot, il ne s'agit pas d'une “dame”. Nous la voyons parader ses préparatifs devant son “patron” (les grandes courtisanes de cette classe n'avaient pas de “clients” mais plutôt des “patrons”) qui rêve de jouir de ses charmes. 

Edouard Manet, Nana, Kunsthalle, Hambourg, 1876 (crédit : Wikipedia, Veriditas)

Contrairement à Morisot, Manet décrit avec force détails l'ossature du corset, le cadran des bas, comme s'il se targuait d'un tel savoir privilégié, même s'il s'agit d'une femme “publique”. Morisot, en revanche, préserve la vie privée et l'intimité d'un moment auquel elle seule a accès. 

Jeune Femme en Toilette de Bal (Young Woman in a Ball Gown) 1879 

(crédit : Wikipedia, Dcoetzeebot)

Même dans une œuvre intitulée pour la robe que porte la jeune femme, les détails de sa robe ne sont qu'un flou de couleurs pâles. En fait, bien que Morisot (et son modèle) soient des résidents de la capitale, c'est le style de peinture de l'artiste, plutôt que les atours de son modèle, qui est décrit par un critique d'époque comme possédant ce chic parisien, dans ce parfait résumé de l'époque. Parisienne's mythes :  

 “Mme Berthe Morisot est française par la distinction, l'élégance, la gaieté, l'insouciance. Elle aime peindre l'agitation, la joie, l'allégresse. Elle broie des pétales de fleurs sur sa palette, pour les répandre sur la toile en touches fougueuses, respirées, dispersées plus ou moins au hasard, qui s'harmonisent et se combinent pour aboutir à quelque chose de raffiné, de vivant et de charmant.”

Mary Cassatt (1844 -1926)

Mary Cassatt, l'une des nouvelles femmes, a quitté sa maison de Philadelphie et son père autoritaire pour étudier l'art dans le tout nouveau Paris, où elle a rencontré les impressionnistes et n'a jamais regardé en arrière.

Fille dans le jardin également appelé Femme en train de coudre (Jeune fille au jardin ou Femme cousant), 1882

(crédit : Wikipedia, Dcoetzeebot)

Cassatt partage ici une technique similaire consistant à suggérer plutôt qu'à montrer ce que la jeune femme porte, moins préoccupée par la mécanique du charme de la robe que par l'impression générale qu'elle donne, un autre moment privé capturé sur la toile, de femme à femme. 

Les impressionnistes ont-ils inauguré la semaine de la mode ?

Ensemble, ces femmes de classes différentes, les peintres et les peintes - chacune élégante selon ses moyens - ont contribué à créer un archétype féminin qui perdure aujourd'hui : la Parisienne.

Theodore Child, critique d'art américain dans le Paris de l'âge d'or, parle des habitantes de la capitale :

 “Ces femmes ont fait une étude de l'élégance et une profession de la belle apparence plus complète et plus intelligente, peut-être, qu'aucune des filles d'Eve qui les ont précédées sur la surface de la terre, et elles ont atteint une perfection de tenue harmonieuse, une originalité de composition, un style, un chic, pour employer une expression consacrée, qui n'a pas encore été surpassé. Le secret de ce chic réside en partie dans le génie particulier de la Parisienne, en partie dans une application sans faille et dans la recherche de l'élégance absolue et de la plénitude du plaisir de vivre dans des conditions de beauté matérielle”.”

Le Parisienne Ils ont collectivement fait de Paris la capitale de la mode telle que nous la connaissons aujourd'hui, prête à accueillir les couturiers, les héritiers de Worth et les autres grands noms qui ont habillé les riches et les célèbres, ainsi que les ouvrières de la confection oubliées dont le talent et le flair anonymes ont mis la ville sur la carte de l'Europe. la mode.

Nous vous accueillons ici pour vous faire plaisir dans toute sa splendeur !

Rejoignez-nous pour en savoir plus

Si cette promenade virtuelle dans le musée d'Orsay met en lumière une préoccupation moins connue des impressionnistes, celle de la dynamique du chic contemporain, le musée d'Orsay ne se résume pas à cela ! Si vous avez aimé cette présentation, vous allez adorer la façon dont nous montrons la première gare-musée d'art du monde entier sur notre site web. visite guidée ! Vous apprendrez même pourquoi il s'agit d'une gare, et vous en saurez plus que vous ne l'avez jamais pensé sur les artistes et les œuvres d'art qui se trouvent dans ses murs. 

Si c'est l'univers de ces artistes qui vous intrigue le plus, comment et où ils ont vécu et créé, une visite à pied de Montmartre est ce que vous voulez et nous avons ce qu'il vous faut ! Venez avec nous et explorez les rues où Renoir et Monet ont marché, ri, bu et dansé ! Nous vous expliquerons l'importance des coins et recoins que vous ne pourriez jamais découvrir par vous-même, et nous nous en réjouirons.

Si vous souhaitez vous immerger dans la société bohème de l'époque, nous pouvons vous faire remonter le temps jusqu'au Montmartre de l'apogée, dans lequel danseurs can-can vous montrent leur monde tel qu'ils l'ont vécu ! 

Merci de votre attention. Merci d'avoir pris le temps de lire notre blog ! Nous sommes une petite société de tourisme basée à Paris qui privilégie une expérience personnelle dans une boutique où nous pouvons partager notre passion pour notre patrimoine et notre communauté avec chaque personne qui se joint à nous. Si vous souhaitez participer à une visite guidée, rendez-vous sur notre site Web. site web pour un voyage inoubliable dans la ville lumière. En outre, consultez nos médias sociaux @memories.france pour tout savoir sur Paris : de l'utilisation du métro aux cafés les plus proches de chaque grand monument, il y en a pour tous les goûts !

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